Sergio Rodríguez Jiménez

 LA ESPERA COMO COSTUMBRE

“LA AUSENCIA DEL TAJINASTE ROJO EN UNA CIUDAD DE CASTILLA” (Ed. Devenir)

Las carencias afectivas son tan habituales en nuestras vidas, que no es extraño escuchar de cada cual, un puñado de historias sobre paisanos, amigos, o familiares que en algún momento se apearon del tren que compartían con nosotros, sin decir la estación dónde lo hicieron, ni los motivos ni las razones que a ello les llevaron.

En el extremo de este tipo de desarraigos, está el caso de los que, como Sergio Rodríguez Jiménez, sienten la ausencia de una forma, más que visceral, umbilical, por ser la madre la protagonista de la historia y el desafecto, del tipo de los que carecen de explicación o están sub judice, es decir a la espera de conclusiones definitivas, que sin dar ni quitar razones, permitan el reencuentro y los abrazos.

Esa espera, en casos como el de este poemario, corre el riesgo de convertirse en costumbre e implicar en el proceso a las demás personas que conviven con nosotros y ahí, como lector implicado y amigo de nuestro poeta, es donde quería llegar, para resaltar la figura de la compañera, de Isabel, que teniendo un papel quizá pasivo, (como la del autor en la espera e intento de retomar el contacto con Nati) alcanza en el poemario el protagonismo que quizá ni ella ni el autor esperan le sea atribuido.

La explicación es sencilla: el dúo y lazo madre-hijo, queda suficientemente explicado a lo largo de los sesenta y seis poemas que magníficamente Sergio enlaza, sin solución de continuidad, salvo en la variación de los capítulos, que apenas son capaces de dejarnos respirar en el discurso recitativo y que por otra parte insisten en transmitir el mismo concepto de ausencia bajo los sinónimos de carencia (de semillas), falta (de germinación), escasez (de maduración) e insuficiencia (de polinización).

La guinda del pastel es por tanto, para mí por lo menos como lector expectante, esa compañera que aparece cocinando sueños o altares, oyendo penumbras, tiñendo dudas con dulces sueños y observando, en fin, junto al autor, cómo se retuerce el mundo, con una sonrisa inmóvil.

Ella, da la sensación de ser la encargada de ayudar al poeta a terminar de solucionar el problema que le angustia.

Ella quizá sea la que definitivamente le anime a intentar el desapego necesario para que la espera no se convierta en costumbre, sino en conclusión y desenlace liberador, de una forma u otra. ¿Lo conseguirá?

Excelente poemario de un autor poco partidario de presentaciones o promociones de lo que hace, en que gracias, entre otros recursos, al acertado uso de los octosílabos logra transmitirnos esa sensación de trepidante espera provocando que podamos leer prácticamente del tirón el poemario sin el menor cansancio y con el mayor interés.

Poesía íntima y sosegada, marcada por un relativo pesimismo quizá compensado, salvado, por, de nuevo, Isabel, portadora de la esperanza.

Que nunca la espera se convierta en costumbre, que la esperanza siempre más pronto que tarde alcance sus conclusiones.

Norberto García Hernanz

Alberto Morate

 CADA DÍA UN POEMA EN ESTADO DE AL(AR)MA

CADA DÍA UN POEMA EN ESTADO DE AL(AR)MA

EL BUEN POETA BUENO

Entre los poemarios escritos durante la pandemia con la finalidad de amortiguar sus efectos de dolor, muerte y aislamiento, tenemos aquí uno que destaca por su frescura, sencillez y sinceridad.

En él su autor, Alberto Morate, acierta de pleno en el saber trasmitirnos vivamente ese sentimiento y estado de ánimo que experimentó durante los aciagos días en que fuimos monjas y monjes de clausura, condenados a saber y sentir las desgracias que en el exterior ocurrían, pero sin poder hacer más que ejercer actos de paciencia y reflexión encaminados a “resistir”, con el único testimonio físico y tangible para la sociedad de salir a los balcones y ventanas a las ocho de la tarde.

De eso habla el poemario “Cada día un poema en estado de al(ar)ma”. Eso nos cuenta el poeta en su estado apesadumbrado a la vez que esperanzado, que se trasluce a lo largo de los 77 poemas del libro, más dos finales añadidos como consecuencia de la muerte de amigos que se van de nuestras vidas independientemente de que tengamos nuestros poemarios concluidos o no.

Y es en ese ritmo vital del irse, del alejarse de nuestras vidas esos seres queridos, en el que Alberto se aferra al poema y a la esperanza que pueda traer el escribir en estos tiempos.

De hecho al colectivo poético, la pandemia lo dividió en dos partes definidas: la de aquellos que la catástrofe enmudeció para poder contar algo sobre el drama que a todos nos ha superado en una u otra medida y la de quienes, como decimos a veces los poetas, dentro del desánimo consintieron que las musas se acercaran y les pusieran el bolígrafo o el rotring en las manos.

El caso de Alberto Morate, dada su bondad, sencillez y humildad, fue el de no tener inicialmente fuerzas para afrontar el cataclismo, para después recibir la llamada y el mensaje de aliento que le conminó a “ponerse a los papeles”.

Nosotros hemos tenido la suerte de que eso haya sido así y en consecuencia la suerte de disfrutar la lectura de estos versos que nos llevan de la mano por el mundo reflexivo de este entrañable y valioso poeta.

Espero que conmigo encontréis aquí al “buen poeta bueno” que es Alberto Morate.

                                                                                         Norberto García Hernanz

Manuel de la Fuente Vidal

 SOBRE EL CONTINUO CONFLICTO DEL AMOR Y EL ODIO

¡HALLELUJA! -  Manuel de la Fuente Vidal  (Ed. Los libros del Mississippi)

 No podríamos estar aquí, tras siglos de supervivencia y exterminio, sin el odio; ni sería posible relatar la historia sin entender como el amor ha movido los hilos del entramado vital que al ser humano atañe.

Lo que pareciera fácil de separar, dado el antagonismo de los dos conceptos -la oposición visceral entre Tánatos y Eros- se convierte en imposible empresa, dada la superposición de ideas que a ambos alimentan.

Es ese paso escaso, tan cacareado, que existe entre amor y odio, el que hace compleja la batalla que les enfrenta y es ese el que el autor de ¡Hallelujah! quisiera agigantar, a la vez que reconoce las dificultades que tal empresa entraña.

Para expresar mejor lo que quiere transmitir Manuel de la Fuente Vidal en su libro, ha decidido utilizar un nexo bíblico. Y es que no habría mejor escenario para desarrollar en él la connivencia y complicidad existente entre el odio y el amor, ya que los textos sagrados han prestado innumerables ejemplos a quienes investigan cómo lo divino usa la violencia para alcanzar la pureza pretendida que el alma humana cree necesitar, para lograr sus catárticos objetivos y hacer imperar sus leyes divinas.

El poemario está expresamente dividido en esos dos apartados, Amor y Odio, sin que como digo, pueda lograrse enteramente la pretendida división, pero manteniendo suficientemente las diferencias para que el lector tenga claras las referencias a uno y otro concepto.

El modo en que el autor ha decidido hacer desfilar personajes, tensiones, batallas e ironías del contrasentido permanente de lo humano, siendo poético, no se atiene al clásico trasunto versificado, sino que alimenta la tensión de lo expresado, en un continuo desarrollo textual, que nos demuestra que la poesía para serlo, no tiene por qué ceñirse a unas pautas preestablecidas.

En ningún momento pues, puede confundirse con un relato prosaico el discurrir de los poemas, sino al contrario, ya que resaltan aún más en su discurso, la musicalidad y lenguaje poético a los que muchos otros poemarios quisieran aspirar.

Cantemos pues con Manuel de la Fuente Vidal un ¡Hallelujah! a la desaparición del sinsentido que sin solución parace ir con nosotros, con todas las civilizaciones, con la condición humana por los siglos de los siglos y vayamos entresacando en la lectura, de su mano, todo lo que cada uno tenemos de aquellos que nos precedieron en la búsqueda de la pureza, de la santidad, de la bondad, así como lo que nos impide desterrar el odio, la parte inhumana del ser humano que repudiamos y a la vez con frecuencia nos identifica.

¡Disfrutemos de su lectura!

                                                                   Norberto García Hernanz

Ezequías Blanco

CONSIGUIENDO LA COMPLICIDAD LECTORA

TIERRA DE LUZ BLANDA – Ezequías Blanco

        Me pregunto con frecuencia cómo siendo poeta o por lo menos creyéndome un poco que lo soy, me cuesta tanto conectar con el sentimiento y el mensaje que los poemarios, uno tras otro, tratan de hacerme llegar, como lector, sin conseguirlo.

        Y me contesto también, coincidiendo con lo afirmado por Enrique Gracia Trinidad en el prólogo de “Tierra de luz blanda”, que no es por la falta de sinceridad, expresividad, musicalidad o efectos plásticos y metafóricos empleados en ellos, ya que la mayor parte gozan de esos aderezos, sino por carecer de lo necesario para conectar con el lector, haciéndole cómplice de aquello que el autor está tratando de transmitirle.

        Para mí éste es, sobre todo, el logro de Ezequías Blanco en el intenso y acertado aproximarnos al difícil compartir de las dolencias propias.

        La madurez y maestría ya contrastadas del autor, permite sin la menor ampulosidad ni artificio, que podamos acercarnos y ser llevados de su mano por los lugares de angustia e incertidumbre hospitalaria que le atañeron y sentir con él, de algún modo, las esquinas siniestras de los pasillos, los anónimos artilugios ajenos a la normalidad exterior, la obra dramática que se interpreta, en fin, en las bambalinas de los quirógrafos y así poderle acompañar en su evolución de paciente “paciente” a ciudadano renovado en los bancos de los jardines y parques, que nos recuerdan tras las convalecencias, que vivir debe ser siempre añadir nuevas perspectivas a la esperanza.

        Es el único secreto, pues, y vital en el caso de la poesía, conseguir la complicidad apuntada, algo de lo que carecen la mayoría de los poetas actuales, enfrascados en un teórico hablar sincero que no es tal, sino parafernalia de recursos que amagan sinceridad pero regalan lejanía.

        Felicito pues a Ezequías Blanco por su aportación al buen hacer literario con este “Tierra de luz blanda” y ojalá sirva al lector, como a mí me ha servido, para valorar la libertad que deberíamos sentir constantemente en el exterior de los hospitales.

        Releyendo “Sobre todo nada” de Miguel Albero premio Gil de Biedma 2011, alcanzo a entender que sin tener “Tierra de luz blanda”, en principio, pretensiones de alcanzar ningún galardón prominente, no debe envidiar en nada los esfuerzos, que han hecho otros poetas renombrados, por superar la incomprensibilidad de la muerte, amenazante detrás de cada enfermedad que se encapricha de nosotros.

        Recomiendo esta accesible y sensible lectura y felicito, para acabar, la extraordinaria edición realizada por Los Libros del Mississippi, que bajo la batuta de Antonio Benicio Huerga Fierro, alcanza aquí la excelencia deseada por un libro de poesía que se precie.

        A saber: excelente maquetación, respiración de los poemas y exquisito cuidado de que la mirada lectora pueda deslizarse agradablemente por cada una de las páginas del libro.

        Enhorabuena pues a todos los implicados en este encomiable producto final.

Norberto García Hernanz

Matías Escalera Cordero

BALCÓN CON TAZA DE TÉ CALIENTE ENTRE LAS MANOS

Norberto García Hernanz

Recortes de un corazón herido por la esperanza

Matías Escalera Cordero

Huerga & Fierro

       Buenas tardes y bienvenidos a la presentación en Segovia del poemario Recortes de un corazón herido por la esperanza.

       Muchas gracias a la librería Intempestivos por hacer posible la celebración de este acto, así como a quienes os habéis acercado a conocer al autor de la obra, Matías Escalera Cordero, que ha viajado desde Alcalá de Henares, para compartirla y comentarla con nosotros.

     A él le agradezco también, el trato amable que siempre me ha dispensado y el confiarme la redacción de estas palabras introductorias.

      Antes de entrar de lleno en la presentación del libro, será bueno que os haga partícipes de la amplia trayectoria profesional, social y literaria que Matías Escalera viene desarrollando desde hace años.

       Él, es un profesor de Lengua y Literatura, que siempre ha mostrado gran interés por los problemas nacionales e internacionales de carácter social y educativo, lo que le ha incitado a desarrollar una activa militancia política y a adquirir un profundo compromiso con los movimientos de ayuda a colectivos humanos agraviados y desfavorecidos.

          Esa actitud, se ha visto reflejada a su vez, en un amplio quehacer creativo literario, que abarca las modalidades de ensayo, teatro, novela, critica literaria y poesía, siendo en esta última actividad, reconocido como poeta dentro del movimiento de la “Poesía de la conciencia crítica”, denominación con la que se alude a poéticas que practican una oposición al capitalismo en su fase global y postmoderna.

      Han sido sus poemarios anteriores Grito y realidad (Baile del Sol 2008), Pero no islas (Germania 2009), Versos de invierno (para un verano sin fin) (Amargord 2014) y Del amor (de los amos) y del poder (de los esclavos) (Amargord 2016).

Además del poemario que presentamos hoy, se ha publicado recientemente una antología bilingüe (castellano-inglesa) de su obra, titulada Poemas del tiempo y del delirio ( Ed. Artepoética).

     Ante tal bagaje intelectual y teniendo en cuenta que Matías Escalera ya ha hecho varias presentaciones de su último poemario Recortes de un corazón herido por la esperanza, (Huerga & Fierro 2019) no es mi objetivo hacer un sesudo estudio de la evolución creativa del autor, a través de sus textos pretéritos, algo que por otra parte podremos encontrar en la Red (Internet) y en artículos de crítica literaria, sino acercarme al poemario en cuestión, de una manera informal, humana y directa, que permita conectar mejor al público asistente, con estos poemas dinámicos, actuales e introspectivos que hoy presentamos.

        Por eso evitaré referencias a la temporalización, estructura y construcción del poemario, para centrarme en ciertos detalles llamativos, que nos motiven a adquirir el libro, para así luego reflexionar, en una lectura íntima y privada, sobre aquello que el autor nos quiere proporcionar como tema de especulación y debate.

           Y es que antes incluso de abrir el poemario, tenemos ya una primera reflexión que hacer, cuando leemos en la portada, “Recortes de un corazón herido” pues mientras especulamos de quién será el corazón del que se habla, observamos en letra mucho más pequeña el final del título: “por la esperanza”, algo que nos avisa de que, además de una víscera damnificada, (como metáfora del sentimiento de un ser humano que sufre una decepción), hay un expreso deseo por parte del autor, de dar a conocer al culpable de tal lesión, es decir: la citada esperanza.

Matias Escalera, aún en letra pequeña, quiere, desde el principio, que sepamos la causa del dolor y de la decepción que sentirá quien, a corto o largo plazo, ponga sus expectativas en los demás y en el mundo que le rodea.

           Es decir, aunque hay un corazón herido por las experiencias vitales, como resultado del proceso natural de vivir y convivir con nuestros semejantes y de confiar en salvaciones o redenciones futuras, la novedad es que el poeta, partiendo de esa herida, es capaz de darle a ella un papel secundario, para hacer protagonista a la esperanza que puso en su momento, al servicio de aquello en lo que creyó, como motor de su felicidad y realización humana.

Vosotros, lectores, a partir de un hecho consumado que se os da en el título de la obra, tendréis que discernir, posteriormente, hasta qué punto el autor está enteramente convencido de sus asertos:

“No hay esperanza, no hay esperanza, reconocedlo al fin”, “Soñáis, pero los sueños no se cumplen” “El canto no os consolará, tampoco el grito”.

o por el contrario, si alberga resquicios en sus consideraciones, por donde dicha esperanza pueda rehabilitarse de algún modo y volver a respirar:

“Cuando la esperanza se bate en retirada, todo sucede así (antes de la luz) Con extrema sencillez... Contra toda esperanza el ahogado se levanta en la playa, se sacude las olas, se sacude la muerte.... Contra toda esperanza el amor de los amantes no se ha extinguido aún.... y tú y yo consumamos el canto de los seres que esperan”.

            Conoceréis también de la mano de Matias Escalera, como cabría suponer, dado su compromiso racional con lo humano, que el tipo de esperanza del que aquí se habla, no es el simplista de las aspiraciones mundanas a corto plazo: “Si la esperanza solo está en tu piel...si la esperanza es solo tus besos... si la esperanza se esconde solo en tus muslos... Entonces No hay esperanza ninguna: amor mío...”

             Y metidos de lleno en ese debate dialéctico entre esperanza, desesperanza y posicionamientos personales ante el sentido o no de la vida, avanzaremos transitando diferentes perspectivas que el autor nos propone, siempre con el mismo eje de referencia.

            Encontraremos poemas que nos hablarán de cómo gestionaron en su tiempo la esperanza otros pensadores, activistas, habitantes de distintos países, según épocas, según circunstancias y nos daremos cuenta de que el autor, además de ir contrastando o completando su pensamiento personal con el de esos diferentes personajes, se irá desdoblando él mismo, para adquiriendo distintas voces en su discurso (dice él, dice ella, dice el ángel,...) invitándonos, pienso, a tomar partido, a ser nosotros, poetas también y a decantarnos por ver el vaso medio lleno o medio vacío en lo referente al tema central del poemario.

           También hay un largo poema: La balada de los gilipollas... en el que, si os ocurre como a mí al leerlo, no llegaréis a discernir si, según el autor, es mejor tener esperanzas o no tenerlas, es mejor hacerse el tonto o ser tonto, si compensa o no ser un idiota consciente, o si ser un idiota inconsciente es lo ideal para alcanzar la felicidad. ¿Existen en el fondo los gilipollas o todos somos gilipollas? También ahí tendremos tema de reflexión como veréis.

             Y por no extenderme en exceso y dar paso cuanto antes a la lectura de los poemas, haré una consideración final como resumen de todo el sentimiento que me ha transmitido la lectura del libro.

             Diré que en el fondo de un discurso quizá un tanto pesimista, he vislumbrado a un poeta que quiere, sobre todo, compartir y contrastar con los lectores sus soliloquios personales, como buscando connivencia y apoyo a esa soledad intelectual que supone, en definitiva, hacer ciertas introspecciones filosóficas sobre la vida.

            Por eso sus aclaraciones finales, por eso el hacernos partícipes de su visión del mundo desde las preguntas que a todos nos rondan alguna vez en la cabeza.

          ¿Cómo es posible que seamos tan parecidos los humanos y a la vez tengamos conceptos tan distintos de lo que es justo o injusto, de aquello que mantiene nuestra esperanza y lo que habitualmente tanto nos desespera?

         ¿Cómo es posible que ante el fenómeno vital, al que todos tenemos acceso, mostremos tan diferentes capacidades de emoción y asombro?

           Yo particularmente, Matías, puedo decirte que en la lectura de tu poemario, por si de algo sirve, sí he sentido como tú, el paisaje ante el cual, con una taza de té caliente entre las manos, en ese balcón, realizas esas reflexiones, en el convencimiento de que es este presente, este pulso vivo el que, sin esperar a mañana, debe darnos pistas sobre qué pueda ser la auténtica esperanza, sea la susodicha esperanza lo que en el fondo quiera ella o no quiera ser. Muchas gracias.

Norberto García Hernanz

Henri Berguer Martín

"POESÍA BIPOLAR" - Henri Berguer Martín

POESÍA A FLOR DE PIEL

        En el múltiple abanico de registros que se pueden apreciar dentro de la poesía contemporánea viva, no siempre son la originalidad y la independencia atributos destacables, que exhiban además una pluma sincera, desnuda y descarnada.

        Sin embargo, el poemario “POESÍA bipolar” de Henri Berger Martín, dado así, con la palabra poesía en mayúsculas, nos va a introducir rápidamente en el corazón abierto habitado por el flujo de emociones contrapuestas y convulsas, donde el autor nos hace partícipes del correr de la sangre poética e intimista que le fluye por las venas.

         En esta “opera prima” densa y extensa, tenemos la oportunidad de visitar, con Henri, como si lo hiciéramos en primera persona, toda su trayectoria poética, aún muy joven, (el autor tiene apenas veinte años) en un ejercicio difícilmente superable de sinceridad.

         En él no se elude nada que pueda esconder su evolución poética y sentimental, en un afán casi pedagógico de mostrar la lucha interna que permite el progreso y la evolución hacia nuevas formas de expresión.

      Podremos observar, pues, cómo el poemario, en diferentes apartados, va modificando sus métodos formales de escritura, pasando de los más clásicos, adaptados a estrictas normas líricas, a otros más libres, en que el poeta pueda dar rienda suelta a su expresividad.

Pero esto es solamente el principio, pues escuchando a Henri Berger Martín recitar sus poemas, como yo he tenido ocasión de hacerlo, nos asaltarán inmediatamente multitud de inquietudes respecto a la persona que se encuentra tras los versos recitados.

      Comenzaremos apreciando un tímido decir, una sinceridad a flor de piel que cuenta sus experiencias sentimentales, con una musicalidad culta y refinada, estructurada a la vez en ritmos actuales y urbanos, muy personales.

          A continuación sentiremos acercamiento y complicidad con el modo sencillo, elegante, educado y hasta diría que caballeresco, con el que el poeta nos va conquistando para finalmente, terminar rindiéndonos a esa “bipolaridad”, de la que, pienso, todos somos partícipes de una forma u otra en nuestro comportamiento vital. Bipolaridad que en su caso, se manifiesta más intensamente por esa forma franco-española de afrontar los avatares diarios, dada su condición bilingüe de pensar, expresarse y en definitiva de sentir.

            Es, por tanto, Henri Berger Martín, un poeta hecho a sí mismo, que ha sabido ser arquitecto de su persona para construirse y reconstruirse repetidas veces y así legarnos en el momento actual una digna producción poética, resultado de todo ese azaroso y convulso proceso.

Merece la pena adentrarse en “POESÍA bipolar”, así, con la palabra poesía en mayúsculas, y de la mano del autor disfrutar su experiencia personalísima, cargada de lirismo, humanidad, capacidad de superación y “savoir faire” literario.

Norberto García Hernanz

SÉ - Itinerario de una despedida

(Crónica de Amando Carabias)

(30 DE MAYO DE 2019 CASA DE LA LECTURA DE SEGOVIA)

            El último adiós / no debiera ser resumen, nunca, / de lo que nunca unió a los que se quieren —como responsos,e sólo la memoria (y ahora los versos) rescatan del olvido: el arroz con leche, la mano maternal aferrando la del poeta cuando era niño, el abrigo de punto inglés…

              El libro se articula en tres partes “Ángel exterminador”, “Separación” y “Paraíso”. Cada una toma su título de uno de los poemas que la integran.

           “Ángel exterminador”, una reflexión sobre la muerte, abre el poemario con el final de la vida de su madre en un mes de enero. La primera reflexión es sobre la despedida física. El poeta se percata de inmediato que una parte del fatal acontecimiento se rodea de formulismos y retórica: los responsos, crematorios, pésames, coronas o esquelas ya citados, cuando la verdadera despedida, la más entrañable y secreta, es el postrer gesto de afecto al ser querido. Sin embargo, aún resta la más dolorosa: cuando el barquero toma posesión de su cadáver. A partir de ese momento, el poeta —el hijo— siente que nada importa, que nada siente, salvo la ausencia materna. Y, tras la incineración, se pregunta por la esencia de la muerte: qué o quién es ese Ángel exterminador. Sólo una mente clara, equilibrada y serena, como la del autor, llega a la conclusión certera: la muerte sólo es un agente que cumple lo previsto, sin conciencia ni afectos o desafectos, se limita a ejecutar con eficacia la tarea asignada. Aunque no haya saña, es inevitable retroceder al último instante para descubrir que ese momento es abrazarse y fundirse al rayo que cae como un temblor, para dejar de ser, sumergiéndonos en la nada. Poco después, tras tomar conciencia de la muerte materna, el poeta llega a la pregunta inevitable: ¿Dónde vamos tras morir? Norberto responde con otra: ¿Dónde podemos ir que haya más profundidad y más emoción que en el breve canto de la alondra?

            Quizá el duelo (inevitable e imprescindible en el itinerario de despedida) consista en pasar crueles pruebas: laberinto de preguntas, dudas, miedos, culpa, inseguridad… La vida cobra otro sentido. Quizá no sea diferente desde fuera, pero quienes hemos pasado por ello sabemos que desde el interior del sufrimiento por una ausencia tan dolorosa se altera la escala de las cosas y uno se para a meditar en asuntos en los que antes ni siquiera caía. Norberto llega a la conclusión de que el camino para sanar cuanto antes es un estoicismo vital: contemplación, observación, fluir con la existencia. En otro poema descubre que la muerte es desvanecerse poco a poco, sin más; pero lo malo es que no hay camino de regreso. El poeta comprueba que el recuerdo, aun gozoso, no apaga la tristeza. Sin embargo, nada más producirse el terrible momento, percibe que el tiempo se altera, pues de inmediato se convierte en recuerdo. Uno llega a lo más profundo del duelo cuando tiene la sensación de ser parte de la nada, del vacío más absoluto, sin nada que decir o meditar o pensar u objetar o esperar. Hasta que cae en la cuenta del pacto de silencios y miradas contraído con ella durante las últimas Mañanas de hospital.

            La segunda parte del libro, “Separación”, la más amplia, es un vaivén del alma entre recuerdo y reflexión. El dolor continúa, pero acaso mengüe la intensidad, o, quizá, como nos hemos acostumbrado a él, se soporta mejor.

          Nuestro poeta percibe que empieza a salir de la sima donde cayó su corazón, al intuir que el homenaje a la madre muerta será la búsqueda perenne de lo vivo, pues esperar señales solemnes no la devolverá a la existencia. El poeta se va doctorando en ausencias: el recuerdo del olor de los claveles de la corona le trae recuerdos del aroma de la visita a los patios andaluces que tanta la apasionaban. Poco a poco se enfrenta a lo cotidiano con más entereza, pero aún así pregunta: cuándo dejarán de vibrar los significados que dejó sobre la esencia de las cosas, o cómo puede avanzar el calendario sin su presencia. En la naturaleza, en el bosque, en el pinar se reencuentra con el recuerdo de su sonrisa. Pero es inevitable la sombra de un complejo de culpa como el que se insinúa en el poema Mi alejarte de lo vivo. Y llegamos al poema “Sé”. Al leerlo se comprende la primera parte del título: El autor es plenamente consciente de que ha sido un hijo amado. Un hijo dedicado a la poesía, entre otras cosas, que ha visto cómo su madre doblaba los recortes del periódico que hablaban de él. No es que recortara, doblara y guardara esas reseñas, poemas o informaciones, sino cómo lo hacía, cómo ella ponía el alma en sus manos, porque de algún modo así acariciaba al hijo. En el proceso del duelo descubrimos que una cosa es alejarse de alguien y otra bien diferente despedirse. Alejarse es rectilíneo, uniforme. Despedirse es una curva áspera con mucha pendiente que tiende a doblarse en dos en su punto de inflexión. Por eso regresa una idea ya expuesta en otro poema: recordar a la madre en lo cotidiano y contar con su presencia en esos momentos en que los sueños flotan cuando vamos despertando. En este sendero de separación el autor se da cuenta de que paladea la vida a pesar de desconocer su rumbo y a pesar del temor, y a pesar de su inestabilidad, y lo hace como si no tuviera final, como si nunca fuera a anochecer ni ella a marchitarse. Y al fin, toma la decisión: cuando ya es primavera, asegura que cumplirá con su promesa de llevarla al mar. Decía más arriba que esta segunda parte es como un vaivén de sentimiento y reflexión. En esta cadencia, encontramos una reflexión poética, acerca del no ser. El poeta muestra de nuevo su actitud ante la vida que tiene mucho de estoicismo vitalista: no debe preocuparnos no ser, pues no ser quita los problemas y unifica criterios. Lo esencial es abrazar la existencia, todos sus detalles y pequeñeces.

                 Ahora que ha puesto fecha para la definitiva despedida, nos regala seis poemas —los últimos de la sección— que vuelven a los sentimientos, al recuerdo, a cierto dolor y resignación. Ya nada se puede atravesar para regresar a la madre; de nuevo la memoria es el único lugar donde se puede repetir su palabra apasionada o sus preguntas diseccionando lo cotidiano. El poeta se reitera a sí mismo que el resto de su vida será más fría, sin el abrigo de su amor. Y cuando ya viajan, en el poema “Madrecita”, especie de oración a la madre, promete:

            Haremos en tu honor lo posible / por cambiar cualquier nostalgia / por playas plenas vivientes, / madrecita, / ya dada en tu desvanecerte / a un cielo de gaviotas, humectadas / en luz iridiscente y marina

          A pesar de que todo parece claro, el poeta aún no acepta completamente la situación y como no está muy seguro de la eternidad, pide que su madre nunca llegue a la otra orilla, que siempre navegue, porque así prolongará este nuevo modo de vida. Y en el vitalismo que caracteriza al poeta, nos ofrece los dos últimos poemas de esta sección segunda que ya anuncian la tercera. En el primero descubre cómo cualquier amanecer es momento perfecto para la acción de gracias, para proponer algo nuevo, para no morir, para inventar esperanzas, para sentir que la zozobra y el miedo son del pasado, para celebrar lo efímero. Y el segundo supone el pistoletazo de salida al viaje. Algo tan sutil como una araña paseando por la mano del poeta, encarna la potencia de la primavera y señala, a pesar del recuerdo de su muerte, la dirección de la vida como algo inevitable.

         La tercera y última parte, “Paraíso” se divide en dos secciones. Los cinco primeros poemas, aún son la voz del autor, el yo que habla desde el inicio. Los cuatro finales emergen en la voz materna: recuerdos, deseos, últimos anhelos.

          Para cualquier mitología, religión, incluso ideario político, el Paraíso es el lugar idílico hacia donde nos dirigimos. En muchos casos, además, es punto de partida, con lo que alcanzar el Paraíso es retornar al inicio de felicidad absoluta: inocencia, belleza, ausencia de enfermedad y sufrimiento son la vida cotidiana.

           Los primeros cinco poemas son fracciones del mismo momento, cuando el poeta llega al lugar donde arroja sus cenizas. Primero contempla el paisaje y llega a la conclusión de que dan igual creencias o increencias. Lo único tangible es lo que está frente a la ausencia, la razón frente a la ira, la verdad frente a la mentira. Y en la línea del horizonte neutral (entre fe y ateísmo) habita la sonrisa de un cercano paraíso, con que los dioses, de existir, premiarían. Una vez arrojadas las cenizas, la imaginación del autor contempla cómo el agua del mar pasa entre sus dedos, cómo se lo bebe para tornarse ella duda mediterránea en alusión a la duda del paraíso planteada en el anterior poema. Mientras contempla el final de la playa sobre el acantilado, siente que allí chapotean su pies humeantes, dejándose hundir en al arena, como si su ilusión por saber y conocer permaneciera viva. El sabor del salitre se presta a los labios como el sabor de los helados de tres gustos a la lengua. (Y es que el viaje ha propiciado el recuerdo y regreso a la infancia). Las últimas palabras del yo poético son para la contemplación de la playa, el reflejo esmeralda del mar que cabe en su mirada y en la de todos cuyo recuerdo de verdadera Costa Brava modela su realidad. Así —aunque siempre lejana y de otros— es siempre de la familia, mucho más ahora que es el paraíso donde la madre habita.

         Gracias al hijo/poeta, el lector escucha a la madre en cuatro poemas, no sólo evocadores del pasado. En el primero, titulado “Expreso”, la madre rememora su primer viaje en tren en verano desde la Meseta hasta Garraf, pasando por Zaragoza y la desembocadura del Ebro, donde ya para siempre retuvo el azul; ese expreso fue su guía de asombro y ella mantuvo su devoción hacia su espíritu de hierro. En el titulado “Si os dijeran” advierte que no la encontrarán en la Meseta, ni en las cumbres de las montañas o en los pinares castellanos, sino que estará viajando hacia la costa para dar su cuerpo al agua y su inconformismo a las discusiones o estará sonriendo entre los suyos y elaborando conclusiones sobre sus preguntas. El penúltimo poema del libro, “Paraíso” es una declaración de amor a ese paisaje. El libro concluye con el poema titulado “Ya solo el mar”, un canto al mar como paraíso que remata con una potente imagen a modo de definición de eternidad. Sólo mirará al mar hasta que todas las raíces de su espíritu, llegadas a la costa en el agua, penetren las rocas hasta hacerse árbol su recuerdo para formar parte del paisaje de la Costa Brava. Observará el mar como lo hacen las sirenas cuando dejan de luchar contra la corriente y se detienen para meditar en el borde la luz mediterránea. Como ángel cuyas alas son reflejo de la luna y las estrellas, quedará en las calas dando la espalda complacida y sin rencores, en libertad en el azul que la prolonga.

                           Pero además, el libro traza al lector un boceto de la madre. Esbozo unas líneas de este perfil: ama al mar; fue muy tierna durante la infancia del poeta; la enfermedad le hizo retornar a la infancia, hasta el olvido de sí; le apasionaban los patios andaluces; utiliza mucho como argumento el famoso “porque sí”; dejaba su huella en cuanto hacía; fue mujer activa, siempre atenta a su hijo; su arroz con leche aún lo recuerda el poeta; recortaba, doblaba y guardaba todo lo que se publicaba sobre su hijo; era apasionada al hablar; le gustaba preguntar para diseccionar la realidad; remendaba y cosía muy bien; su último deseo fue que arrojaran sus cenizas al mar; le encantaba aprender; el amor a la Costa Brava le llegó muy jovencita; amaba la libertad.

        Concluyo. Quien no haya tenido en sus manos este poemario, quizá se sorprenda al comprobar que se trata de edición bilingüe. Catalán y castellano comparten espacio y sentimiento. La razón tampoco es un misterio. Se explica en la contraportada:

     «La ubicación de esos lugares concretos en el Mediterráneo catalán sugirió al autor la posibilidad de traducir a dicho idioma la obra, algo que gustosamente aceptó el poeta abrerense José Luis García Herrera a fin de que estos textos puedan leerse y sentirse también en la lengua de aquella nacionalidad hermana, como acercamiento de lo castellano y catalán, y en general de las personas y los lugares que tienden a conectarse sin tener en cuenta las fronteras»:

     En fin, que sirvan mis palabras como tímido acercamiento a este nuevo poemario de Norberto, otro paso más en su andadura de creatividad poética que esta vez se asoma a uno de los sentimientos más potentes que puede atrapar a cualquier ser humano, como es la muerte de un ser querido y, sale de él fortalecido, convencido de que tras la muerte se llega al Paraíso, por tanto a la felicidad, en este caso hacerse parte de ese paisaje que mira al mar en un lugar de la Costa Brava, en este azul que me prolonga.

Muchas gracias

Ariadna G. García

CIUDAD SUMERGIDA

       Paradójicamente, estos tiempos cargados de insolidaridad, contaminación, degradación del medio ambiente e irreversibilidad en ciertos estados naturales, fundamentalmente por causa de la intervención humana, son tiempos en los que la conciencia ecológica es mayor que en cualquier otro momento histórico.

       Nunca antes fuimos conscientes de que lo que nos rodea, forman parte de un solo y delicado sistema, que peligra si cualquiera de sus componentes desaparece y sabiéndolo no estamos haciendo lo que debieramos.

      Esa paradoja motiva que los pensadores contemporáneos y entre ellos los poetas, se asombren de la inacción general y falta de compromiso, respecto al futuro inminente que amenaza con hacernos desaparecer, en favor de la inmediatez y entrega al consumo frenético que a diario desgasta y degrada el medio heredado que esta sociedad debiera legar a generaciones venideras.

      Así en su octavo poemario “Ciudad sumergida”, vemos como Ariadna G. García se ve imbuida en las disquisiciones propias de una poeta comprometida con su época, que trata de entender eso proceso, esa circunstancia que zarandea nuestro planeta haciendo peligrar la viabilidad de su futuro.

     Ese intenso soliloquio, genialmente solucionado literariamente con versos alejandrinos en gran parte, que provocan una intensa armonía tribal como tam-tam ancestral, se desarrolla en los distintos apartados de poemario, con objeto de comunicar el problema que detecta la autora sobre esa pasividad que puede llevarnos a la destrucción.

       Pero antes de llegar al núcleo de la obra, que se desarrolla principalmente en TIERRA, Ariadna hace, en los apartados iniciales DEVENIR y MEMORIA, un proceso de conexión con su pasado, con sus recuerdos, como tratando de entender qué es lo que su proceso existencial la ha legado a través de sus ancestros y experiencias pretéritas. 

        Curioso que aquel pasado austero y precario, tan alejado de la actual conciencia ecológica universal, pueda impulsarnos, darnos lecciones respecto de lo prescindible que haría nuestra vida menos artificial, más humana y más respetuosa con el entorno.

        Pero así es y es ese el punto de partida, el trampolín desde el cual la autora va a iniciar su proceso de concienciación y concienciador para luego dar el salto y avanzar, en ORIGEN, con la semilla germinal que crece en el vientre, aquella que supondrá la continuidad, la herencia y que desea encuentre un planeta no peor que el que ella encontró, un planeta en el que se produzcan condiciones adecuadas y sostenibles para la felicidad de la siguiente generación y de muchas más.

      El desenlace de este proceso reivindicativo, viene a ser la utopía de una ciudad interior donde, desnudos de nuestras ataduras, libres de nuestros miedos, podamos entender el mensaje concluyente que nos permita solucionar el gran problema de Gaia, herida severamente a estas alturas del siglo XXI.

        Es de agradecer la frescura, elegancia, honestidad y sencillez que Ariadna nos regala en este maduro poemario, sabiamente estructurado, así como el deleite que nos hace sentir al leer de forma inteligible y no por ello carente de simbolismos y metáforas, todos los poemas de que consta. Muchas gracias.

Sergio Artero

ÍNDICE DE INGRÁVIDOS

         Nadie se engañe ante la inicial apariencia surreal de este poemario, pues tras ese derroche de versatilidad lingüística, que por otra parte da cuerpo a la contundencia del mensaje que desea transmitir, “Índice de ingrávidos” encierra, bajo un discurso apocalíptico y desesperado, el deseo de concretar determinadas seguridades, que templen el espíritu humano, zarandeado por avatares y dioses, siempre ajenos en sus deseos, a los terrestres y grávidos, que conforman la sensibilidad humana.

         La temática del poemario, no obstante, discurre por la fatalidad a veces inconsolable, en la que la belleza reside en los propios poemas que materializándose a modo de mensaje bíblico, relatan la decrepitud de la civilización, incapaz de afrontar sus retos sociales.

      Con todo ello, el autor, en acto noble autocrítico, advierte que los propios poemas son “una pecera para tiburones que corre el riesgo de carecer de sentido.”

      Ante tal afirmación, ante el propio Enoch bíblico, (minimizado en sus apariciones con la e inicial en minúscula), ante los demás protagonistas o pilares básicos del épico relato, como el cometa 55P/Tempel-Tuttle, David Bowie, los Vigilantes, (estos sí, siempre con mayúscula, como estando al mando de fatales decisiones universales), cabe al lector llegar a encontrar el verdadero sentido de la obra, que subyace quizá en la fatal desesperación del desarrapado, emigrante exiliado de cualquier tierra y patria, zarandeado por un sistema global deshumanizado.

      Él es la víctima que no puede defenderse a sí mismo, al que sólo le salva su elevación, su inmaterialización ingrávida, que le lleva a paraísos, negados a su desterrada corporalidad.

       Paraísos, que por otra parte aparecen, a su vez, carentes de sensibilidad, delatando la contradicción entre lo terreno y grávido, de lo que se quiere escapar y la levedad insoportable de la soledad cósmica ingrávida, carente de humanidad.

       “Índice de ingravidos” es pues, un poemario que define y consolida la línea seguida por Sergio Artero, que aquí alcanza niveles superiores de transmisión literaria, en los que el lector percibirá una catarata fresca y tumultuosa de contenidos a reordenar, de forma que cada relectura sea una nueva interpretación del mensaje que subyace en sus textos, igual que cada nueva audición de una obra maestra musical, nos desvela registros atrayentes en los que antes no habíamos reparado.

        Por si fuera poco, Sergio Artero, en contra de lo supuesto tras esa línea desaforada y apocalíptica apuntada, en la que la obra se desarrolla; hace un resumen final de citas, donde declara variados nombres propios de otros autores que inspiraron los diversos pasajes explicitados en cada poema.

      Para mayor abundancia, como si el autor no quisiera dejar ni un cable suelto, remata todo el encadenamiento de sentencias apasionadas, con una loable interpretación aclaratoria del cómo y el porqué de la obra.

       Si además de leerlo, podemos disfrutar en alguna ocasión de la puesta en escena apasionada que el autor realiza, con medios sencillos y tiernamente suficientes, llegaremos a la conclusión de que Sergio Artero está ya en el estado de madurez donde los poetas no solamente son capaces de contar de algún modo lo que sienten con intensidad, sino de conseguir que los que están al otro lado escuchando o leyendo, puedan conectar con su mensaje, reinterpretarlo, degustarlo y compartirlo con el poeta.

       Por eso, desde aquí, le agradezco este regalo que transmite y cala en el ser sensible y le doy mi más sincera enhorabuena.

                                                           Norberto García Hernanz

Ben Clark

     Creo que el astronauta que quiso ser Ben Clark, (como “todos aquellos amigos que le acompañaban humildemente en el silencio, cuando dolía ser” (“Astronautas”), está cumpliendo, de forma indirecta, aquel deseo de la infancia, al haber sido colocado en una órbita casi cósmica por el reconocimiento a nivel internacional, recibido tras ganar hace dos meses el Premio Loewe de poesía.

     Como él mismo ha declarado, si otros premios anteriores le ayudaron a salir del anonimato, éste le ha dado el apoyo definitivo, para continuar su dedicación intensa a la creación poética.

     Y dentro de esa singladura vertiginosa, que le ha llevado a presentar el poemario galardonado, “La policía celeste”, en al menos veintidós ciudades españolas, tenemos la suerte de que, más o menos a mitad de camino, este buscador tanto de sensibilidades terrestres, como de significados celestes, haya recalado en nuestra ciudad.

     Pensaba yo estos días, haciendo un símil espacial no sé si acertado, que cuando llegara a Segovia, Ben Clark lo haría como patrullero cósmico de, ya, una multitud de planetas, (Alicante, Sevilla, Córdoba,...según creo ayer mismo Albacete) y que a estas alturas nos encontraríamos todos con él, en un lugar ya muy alejado y frío de nuestro sistema solar, como aquel en el cual el padre Giuseppe Piazzi descubriera en 1801, el asteroide Ceres.

     Es a ese lugar lejano físicamente, donde me gustaría que todos, en este acto de presentación, nos sintiéramos transportados, para sentir y disfrutar durante unos minutos, tanto el exterior como el interior que forma la estructura de nuestro pensamiento y el modo de interpretar la experiencia vital en la que estamos involucrados.

     Querría, que junto a Ben, fuéramos parte de esa policía celeste que “a través de una perspectiva física y sensorial de lo que nos rodea, tratase de alcanzar una cierta perspectiva metafísica de la vida.” (cita de Antonio Maura, escritor brasileño)

     Deberíamos pues, embarcarnos, con el pretexto de la búsqueda de un planeta desconocido en 1800 y que debía estar entre las órbitas de Marte y Júpiter, en un viaje al centro de nosotros mismos, al origen de lo que somos y significamos, sobre todo para los demás, como dice él en “Origen” “he construido todo mi universo alrededor del día en que llegaste”, porque en el reflejarnos en los otros, en el buscar el amor de los que nos acompañan, es de donde parte habitualmente nuestra aventura humana.

        Así lo deja entrever el autor en el poema “Mi cuerpo” cuando declara que “este cuerpo que te ofrezco es algo que he ido coleccionando desde niño” o más adelante “Todo esto arrastro, todo esto te traigo después de rebuscar en este cuerpo; como el perro que ofrece un hueso antiguo, como el niño quemado por el sol que recorre la orilla y le regala un tesoro a un extraño.”

        Se produce aquí, el asombro del autor de “La policía celeste” al constatar la enorme distancia que existe entre la intimidad y las lejanas galaxias y a la vez la cantidad de consideraciones que las lejanas galaxias aportan a nuestra intimidad, como la soledad que las une o la cálida frialdad con que su existencia nos acoge y en ocasiones rechaza.

     Había pues un planeta, buscado concienzudamente por una policía celeste de astrónomos, que debía estar en algún lugar determinado, según dictaban las ecuaciones y leyes gravitacionales y según Johann Daniel Titius, porque el Creador no podía dejar por las buenas aquel espacio vacío, aunque en este último supuesto, como apunta Ben, en el poema homónimo del título del libro, ahora ya estábamos en una época en la que “hablamos de un tiempo más antiguo que Dios.”

       En “Viejos dioses” podemos leer: “...los dioses antiguos han llorado por nosotros... en un lenguaje de voces mortecinas”, esos dioses deben dar paso a un nuevo modo de encontrar verdades, en el que el ser humano, quizá aún estando más sólo que antes, pueda por el contrario ser más libre.

       Avanzamos pues en solitario, en esa búsqueda del planeta que debe estar ahí y que representará un descubrimiento importante como objeto material, pero no menos, como bagaje espiritual.

      Así en el poema “Ocho cometas”, Ben Clark le inquiere a la astrónoma Carolina Herschel : “Cuéntame ahora qué es lo que buscabas cada noche en el cielo, Carolina, ¿mirabas hacia fuera o hacia dentro?”. Es decir: al buscar el planeta perdido ahí fuera, ¿qué parte de nosotros estamos buscando o tratando de encontrar o completar aquí dentro?

         Tal vez la búsqueda del objeto, no sea el único protagonista de nuestro asomarnos a las alegrías y fatalidades de la vida, sino también y con igual importancia, aquel espacio vacío de la intimidad del sujeto pensante, en el que nos vemos desnudos y necesitamos ser encontrados por el afecto y el amor de los demás.

     Por eso el poeta se abre al mundo y nos da su íntima cotidianeidad en el poema “La habitación” diciendo “Soy un niño en medio de un poema, nada más”, como un intento de conocerse mejor a sí mismo, de evaluar sus seguridades e indefensiones, de afrontar la madurez desde lo que los demás puedan ver en su desnudarse.

     Es pues el exterior, en esos viajes a lugares ignotos como “Tristan da Cunha”, (el lugar habitado más alejado de cualquier otro lugar habitado), en el que llega su “atreverse a viajar a la galaxia que gira en cada uno de nosotros” (“Atreverse”) donde llega ese afrontar toda la frialdad que la vida exhala en las consultas de hospital, en el paso del tiempo que se lleva a nuestros antepasados y amigos, como en “El mejor de los mundos posibles”, en “Rolls Royce”, o en las desgracias múltiples como la de “Aberfan”.

     Llega así, como digo, el caminar hacia el futuro, con el apoyo de aquellos recuerdos de la infancia en la seguridad de la casa, con el referente de la sabiduría de los ancestros, del padre, que tanto aportan con sus experiencias pasadas y con sus consejos presentes.

     Y es digno de resaltar en Ben ese apoyo, ese entendimiento y admiración a la figura de su padre, que yo interpreto como un guía, como baliza luminosa en medio de las tempestades, ayudando a su hijo a proseguir su viaje galáctico por la vida.

      Salta a la vista, ese sentirse afortunado como hijo, entre otros, en el poema “Esperando al Halley en 2061”, donde evoca a otro poeta que nunca conoció a su padre y que pasa toda su vida tratando de comunicarse con él a través de las estrellas o también en el poema “El humorista” donde alguien le incluye en “el equipo ganador” de los hijos queridos.

       Mientras tanto, el planeta buscado por esa policía celeste que hemos constituido todos aquí durante unos minutos, sigue sin ser observado, o quizá hallamos empezado a vislumbrarle.

     Curiosamente, los objetos inanimados, los silencios y la soledad, se encargan, a veces, de hacernos sentir acogidos, tras la inmensidad de su desafección, por la calidez de la intimidad que sugieren.

        Es el caso de unas simples cepas de vid en “Frente a las viñas” que con su simple balanceo, con su silencio conmovedor, pueden darnos pistas al respecto. 
    Es el caso también, de la inmensidad de las galaxias que chocando ineludiblemente, como lo harán un día “La Vía Láctea y Andrómeda”, “como chocan los trenes en tus juegos, con ruidos de explosivos con saliva.” le recuerdan al niño que llevamos dentro, que la belleza de lo carente de vida, moviéndose impasible al rededor de nuestra efímera existencia, le aporta, en ocasiones, más respuestas de las supuestas a nuestra búsqueda vital.

    Aparece pues el planeta. Primero uno y luego un conjunto multitudinario de asteroides, que relajarán nuestro sentimiento de orfandad cósmica e íntima; por lo menos hasta que se susciten nuevas preguntas que la madurez adquirida por el hallazgo reciente, estará más preparada para afrontar.

     Para acabar, solo resumir en tres ideas, aquellas virtudes que hacen de Ben Clark, un poeta de superior categoría, digno de este premio Loewe, de los conseguidos en el pasado y de tantos otros que merecerá en el futuro: Transparencia, agudeza constructiva y empatía vital.

     Muchas gracias a todos y espero que como policía celeste amante de la buena poesía disfrutéis y compartáis junto a Ben, las excelencias de este viaje cósmico.

Norberto García Hernanz

Bibiana Collado Cabrera

                  "EL RECELO DEL AGUA"               Ediciones Rialp S.A.

BELLEZA DE LA CONSTATACIÓN

         ¿Quién dijo que, para construir un mensaje poético cargado de musicalidad y contenido consistente, hubiera que emplear extrañas artimañas lingüisticas o engolamientos pseudo surrealistas?

        

         En “El recelo del agua” tenemos el ejemplo claro de cómo se puede llegar al lector, con un poemario capaz de ser finalista en un premio de máxima importancia para las voces jóvenes, como es el Adonáis, y a la vez emplear recursos estilísticos afables y cercanos a la comprensión lectora, así como cargados de un entrañable sentimiento de empatía por aquello que sufre y alienta alrededor de la autora, en ese periodo difícil, casi siempre, que discurre entre la infancia y la madurez.

Creo que se equivocan los que quieren ver en este poemario una renovación de la poesía de carácter social, o una reflexión sobre la intrahistoria española reciente.

Si ese fuera el caso, nos toparíamos, en su lectura, con reproches, arengas, sentencias ejemplificantes e imperativos categóricos propios de la poesía reivindicativa, en vez de ese lenguaje transparente y realista que expone las experiencias tristes y amargas de una familia que, como tantas otras, sufrieron en el siglo pasado el desarraigo de tener que abandonar el medio natural, el poblado, el cerro, donde habitaron, durante tantos años.

 No encontraremos pues, en “El recelo del agua”, reproches, sino constatación de las dificultades y temores que los ancestros tuvieron que experimentar, para que la autora pudiera, después de esa generación “perdida”, resurgir , volar, superar los temores de esa infancia “Cansada de producirme en símbolos ajenos,…” (Surcos)

Esas constataciones fundamentalmente asépticas, son para mí lo más bello del poemario y sólo se trasgreden en momentos puntuales, para no flaquear, para evitar el derrumbamiento interior.

“…y recuerdo cómo anhelamos

la punzada de la rabia

para no flaquear

en el momento de los cierres.” (Desalojo)

Además, la asepsia descarnada y creo que provocada, no deja ni siquiera lugar a los deseos, salvo una excepción en:

“Hubiera querido que la inocencia

de nuestras cartulinas de colores

hubiera sido izada con las cañas

usadas para varear los almendros.”   (Manuales heredados)

Como digo, todo es pura descripción de lo que acontece. Es como si la autora no quisiera hacer el mínimo juicio de valor y nos dejara a nosotros plena libertad para dictaminar sobre los acontecimientos.

En definitiva, la constatación de los hechos acaecidos, desde que alguien decidiera descender del cerro

“Pero el cerro ya “es una piedra

donde sentarse a inventarnos los ayeres” (Manuales heredados)

“decidieron bajar del cerro” (Trajes amarillos)

“Y un temor hondo que ata

cada vez que miro a mi madre

que también se llama María

y aún recuerda a qué edad

bajó del cerro.”   (cierre)

para ganarse la vida en la ciudad y medrar, hasta conseguir que los hijos pudieran superar esas penurias reflejadas en los surcos de las manos y en las uñas gastadas, manchadas, trituradas por el duro trabajo,

“Las manos de mi madre

tienen el olor ácido

de las naranjas -y las uñas negras (Manos I)

“En los recuerdos infantiles

mi madre          no tiene manos” (Manos I)

“Yo vuelvo de vez en cuando a casa

e intento devolverle

las manos a mi madre.” (Manos III)

“Si fuera tierra lo que ensucia sus uñas” (María IV)

“Debajo de las uñas,

ahí es donde se sienten

los perros desbocados de la sangre.” (Debajo de las uñas)

son los ingredientes que, junto con la desnudez de la palabra clara, abierta y sin dobleces de Bibiana Collado Cabrera, nos transporta, fehacientemente, a un duro pasado, donde habiendo culpables, estos no son vilipendiados ni expuestos a la ira ni al escarnio del sufrido parroquiano, sino que constituyen un elemento más de la historia.

Historia que, por otra parte, la autora dignifica con su aséptico relato, ya que es la fuerza del poemario en sí misma, la que se encarga de hacer la reivindicación de un mundo mejor, en el que no haya favoritismos para los patronos, no haya que emigrar para conseguir un mínimo de salario y no haya que desarraigarse del lugar en el que te hubiera gustado vivir.

         Habría que preguntarle a Bibiana Collado, qué tipo de sensaciones recorrieron su ánimo al recordar estos pasajes complicados de la adolescencia, pero imagino que el mero hecho de crear estos bellos poemas descriptivos de esa realidad que vive de primera mano y a través de su madre y abuela, supuso un lenitivo ejercicio de reconciliación con todo el duro proceso que desemboca en su vida presente, del cual es heredera y gracias al que, como podremos leer, “su vestido fue blanco, sus inviernos no son de piedra y cal y no vio partir cayados contra higueras, ni se hirió las manos con las vides.”

         En consecuencia, Bibiana consigue con “El recelo del agua” un poemario capaz de transmitirnos, mediante un relato rotundo, un mensaje unitario de constatación de la dura vivencia, sin la acritud suficiente como para convertirlo en alegato reivindicativo (cosa que yo particularmente agradezco) y si algo pudiera tener en esa línea, es el propio poemario el que se encarga de hacerlo por sí solo, sin que la autora se vea obligada a enfatizar ni exagerar en ningún momento.

         Aparte de estos méritos apuntados, en cuanto a la historia contada, cabe hacer especial referencia a los méritos poéticos de la autora, en cuanto a la musicalidad de la lectura y el empleo de determinados recursos estilísticos, entre los cuales es muy reseñable el de crear una pausa entre dos palabras de determinados versos, para, “focalizar la atención en determinados elementos léxicos que puedan ser clave para la interpretación del poema, así como contribuir a la elaboración del ritmo”.

 “mi madre     no tiene manos”

 “sin atrevernos       a preguntar”

 “la pequeña maraña        nerviosa”

 “ese minuto,         justo antes,

“que se sabe mentira,   que se sabe truncada.

 “lentitud        cada una de sus puertas”

Como curiosidad final señalaremos que, en el poemario, aunque exista un tema claro y definido que se desarrolla en sus diferentes apartados, también existen poemas complementarios que en apariencia mantienen su línea propia, con significados de orden más general o universal pero que, según el lector comprobará, están relacionados con el tema principal apuntado.

Cabe reseñar en ese sentido “Villa Olmedo” donde somos trasladados a un yacimiento arqueológico en el que se reflexiona sobre la identidad y la relación entre la representación y lo representado, y “El beso de Judas” de carácter ecfrástico.

Poemario completo pues, que anuncia una futura madurez consolidada, en el quehacer poético de Bibiana Collado Cabrera.

Norberto García Hernanz